Критика NFT и CryptoArt в четырёх частях

Часть 1. Революция в мире цифрового искусства.

Современное искусство, которым завалены музеи по всему миру, мало-помалу с каждым годом перестаёт быть современным. Человечество всё глубже погружается в мир симуляции и Виртуальности. Реальный мир перестаёт нас интересовать. Нас даже собственное тело уже мало заботит. Всё можно заменить, перекрасить, нарастить, переназвать. Более того, даже наше внутреннее содержание уже не то, что было раньше. У нас тысячи аватаров, профилей, мы растеклись собственным множеством по поверхности чёрного экрана. Наша современность происходит не там, не на улицах. Она здесь, в сети, вот где вы меня сейчас читаете. Как современное искусство может быть современным, если оно находится не там, где происходит современность? Не там, где находимся мы с вами? Подлинно современным может быть только цифровое искусство. Именно потому, что оно здесь и сейчас.

Конечно, цифровое искусство существовало в эпоху до NFT. Однако почему-то не вызывало такого интереса и ажиотажа. И здесь есть один очень важный нюанс. Любая вещь для современного человеческого общества вообще не существует до тех пор, пока её нельзя потребить: сожрать, поглотить, надеть, овладеть, купить, продать.Потребить в широком смысле слова. Человек уже сам давно стал вещью, он смотрит на мир глазами вещи. А основная операция над вещью — это её иметь, то есть потреблять. Это такая объектная логика, она определяющая для нас.

Проблема цифрового искусства именно в том и заключалась, что в чистом виде его нельзя было потреблять. Его можно было потреблять только частично, опосредованно. Например, в составе фильма или как часть игры или другого платного контента, но не в чистом виде. От этого оно и было малоинтересно.

Вот в чём настоящая революция и заслуга NFT: оно создало техническую возможность для потребления цифрового искусства в чистом виде. А следовательно, сделало его актуальным, интересным обществу, важным, включённым в культуру, в мировой процесс. Сейчас СМИ обсуждают только грандиозные суммы продаж тех или иных токенов, а это далеко не самое важное в этой истории. Гораздо важнее, что теперь Общество наконец-то обратило внимание на цифровое искусство, повернулось к нему лицом.

И как же художники воспользовались этим вниманием? Какое такое это новое современное искусство? За что именно платят теперь коллекционеры? Об этом мы поговорим в следующей части.

Если говорить максимально обобщённо, в самом начале становления искусства лежало декоративно-прикладное творчество. Оформление предметов культа, быта, роспись посуды и пр. Искусство ради искусства, эстетики ради, оформилось несколько позже. Так было с искусством реальным. С цифровым сейчас происходит похожая метаморфоза. Практически все, кто сейчас занимается им, это дизайнеры или иллюстраторы. Люди, занимающиеся коммерческим ремеслом, не художники. Это люди, которые всю свою профессиональную жизнь мыслят, как ремесленники.

Что сейчас выставляют на маркетплейсах? Эвридейки, например. То есть картинки, которые рисуются каждый в течение определённого периода «на автомате». Такие челленджи дизайнеры устраиваю себе лишь для того, чтобы просто отработать технические навыки работы в программах. Это к искусству не имеет никакого отношения. Да, это digital, но это не art. Что ещё выставляет большинство? Какие-то старые проекты, непринятые заказчиками, композиции, собранные из объектов из бесплатных наборов для башинга, просто тестовые рендеры, сделанные безо всякого замысла и т.д. Это просто технические компиляции, в этом искусства ноль.

Казалось бы, случилось чудо! На дизайнеров наконец-то обратили внимание, начали смотреть, слушать, готовы вкладывать деньги. И что они предложили миру? Что такого важного сообщили? Ничего. Просто вывалили с жёстких дисков мусор, который там накопился.

Современный дизайнер не торопится учиться мыслить, как художник. Как это ни печально прозвучит: он пока не готов заниматься искусством.

Таким образом, с NFT авторами существует реальная проблема. Должны же маркетплейсы, которые торгуют их работами, тоже это ощущать? Наверное, они как-то работают со своими авторами, предпринимают специальные меры для повышения качества своего контентна? В следующей части разберёмся с тем, как в действительности работают премиальные NFT маркетплейсы.

Конечно, у них будет проблема с авторами, если набирать их так, как они это делают. У всех закрытых премиальных маркетплейсов абсолютно неправильный подход к принятию авторов.

Тот, кто хоть раз отправлял заявку на любой закрытый маркетплейс, видел эти формы, состоящие из массы полей ввода. Среди которых самые важные — это поля для ссылок на социальные сети. Для чего? Они смотрят на количество подписчиков у художника. И, если посмотреть на топовых авторов на этих маркетплейсах, то это, безусловно, сейчас основной критерий для них.

Серьёзно! Они определяют качество художественной работы по количеству подписчиков. Создаётся впечатление, что они торгуют не искусством, а медийным охватом. Им самое время переименовываться в рекламное агентство и писать на сайте CryptoAdvert вместо CryptoArt.

Если говорить предметно, то, на самом деле, для адекватной оценки автора в заявке хватило бы всего двух полей ввода: для имейла, чтобы связаться с автором, и для текста под названием: «Напишите, почему то, что вы делаете, является искусством». Всё! Этого вполне достаточно.

При такой постановке вопроса авторам сразу же станет очевидно, что отправлять всякий мусор, вроде, эвридеек и тестовых рендеров бессмысленно. Потому что за такими работами ничего не стоит, нужно создавать какие-то серьёзные идеи, что-то придумывать.

Кроме того, по написанному будет достаточно легко определить, писал это настоящий художник, или это полная ерунда. На самом деле, история знает большое количество вербальных объяснений художниками своих позиций. Пояснения концептуалистов, манифесты авангардистов, письма упомянутого Ван Гога, дневники Да Винчи и многое другое. Эти люди знали, что они делают! Художники прекрасно умеют объяснять свою позицию. Можно не понять, о чём говорит художник, но то, что это говорит именно художник, как правило, понятно предельно чётко.

Что касается коллекционеров, они становятся заложниками непростой ситуации. До тех пор, пока маркетплейсы не заставят художников объясняться перед своим зрителем, коллекционерам придётся самим анализировать творчество авторов и пытаться выяснить, что стоит за их произведениями и стоит ли что-то вообще. Но как это оценить? Что такого должен говорить художник? Что делает картинку произведением искусства? Ответы на эти вопросы содержатся в заключительной части Критики.

В предыдущей части была сформулирована очень важная идея: «Можно не понять, что говорит художник, но то, что это говорит именно художник, понятно предельно чётко». Только там речь шла конкретно про вербальное объяснение художником своих позиций. Но понимать эту идею следует максимально обобщённо. Ведь картины — это тоже высказывание художника. Вообще всё творчество автора — это отражение его уникального видения. Художник смотрит на мир собственным экстраординарным взглядом и транслирует в своём творчестве эту экстраординарную точку зрения. Он может видеть иначе, видеть больше, интерпретировать по-своему, но именно его уникальный взгляд на мир позволяет ему создавать произведения, принципиально отличные от всех остальных. Именно этот взгляд влияет как на форму, на стиль, почерк, так и на содержание его работ.

И тут важно задаться вот каким вопросом. Куда направлен этот уникальный взгляд художника? О чём таком важном он говорит, что это становится актуальным для всего общества и его начинают слушать? Здесь уместно вспомнить мысль Василия Кандинского, которую он сформулировал в самом начале своей книги «О духовном в искусстве»: «Всякое произведение искусства есть дитя своего времени, часто оно и мать наших чувств». Вся сущность искусства в одной блестящей фразе! Каждый великий художник так или иначе отражает окружающую действительность, мир, эпоху, дух времени, если хотите. Он подчёркивает в своём творчестве ключевые грани бытия.

Посмотрите вокруг. Что вы видите? Повсюду — на стенах, на рабочих столах, в карманах одежды, сплошные чёрные прямоугольники и квадраты. Загляните в них, и вы увидите отражение самих себя! Именно этим Малевич актуален до сих пор. Он чертовски тонко уловил этот образ времени, максимально точно определив его на годы вперёд. Чёрный Квадрат, как высказывание, повлиял не только на историю искусства, но и на нашу визуальную культуру и дизайн. Это отличный пример грандиозного высказывания великого художника.

Возвращаясь к криптоарту. Теперь посмотрите на всю эту графику через призму услышанного сейчас. Много ли там такого, что несёт в себе какой-то особенный, неповторимый авторский замысел, как-то отражает эпоху, описывает нас с вами и наше время? Ответьте честно на этот вопрос, и вы поймёте настоящую ценность этих работ.

Не вызывает сомнений тот факт, что «дикий запад» в NFT рано или поздно закончится. Маркетплейсы научатся отделять Искусство от Дизайна, подтянут технический функционал, станут нормально работать с авторами, дизайнеры начнут больше внимания уделять содержанию работ, коллекционеры станут избирательнее. В итоге на вершине пирамиды NFT искусства останутся художники только с очень сильной авторской позицией и уникальным видением мира.

#NFT #искусство #дизайн