День святого Валентина: подборка произведений искусства о любви

Любовь — одна из главных тем искусства. В честь дня всех влюбленных мы сделали подборку произведений искусства — от Ботичелли до фотографии ХХ века — изображающих любовь и возлюбленных.

Это чувство, которое пробуждает музу в творцах, поэтому неудивительно, что существует так много примеров изображения темы любви в искусстве. Картины о любви пытаются передать суть этого чувства, переживание которого является очень личным опытом. На протяжении веков художники создавали картины и скульптуры о любви, способные передать это чувство другим людям. Давайте рассмотрим нашу подборку картин о любви, которые смогли передать это прекрасное чувство!

На этой работе изображена Венера в изящной и элегантной позе, смотрящая на дремлющую, почти обнаженную фигуру своего супруга Марса, который прикрыт лишь белой тканью, в то время как четыре сатира комично занимают окружающее неглубокое визуальное пространство . Принято считать, что это образ, изображающий момент после того, как пара занялась любовью, и он подкреплен целым рядом метафор и жестов. В отличие от бдительного взгляда Венеры, Марс находится в почти комедийном, дремотном состоянии, его не может разбудить даже звуки от раковины прямо в ухо, а рот приоткрыт так, что почти слышен храп. В сочетании с вялыми запястьями и пальцем, поэтично положенным на левое бедро, можно сделать вывод, что это мужчина в состоянии истощения после интимной близости.

Несмотря на общепризнанную сексуальную природу этого произведения, существует мнение, что эта сцена не изображает момент после интимной близости, а показывает грезящего Марса. Эта идея была первоначально сформирована из-за отсутствия изображения Купидона, который сопровождает Венеру, и вместо него изображены четыре маленьких сатира. Согласно одной из идей, Марсу снится война, в которой он одержал победу, и это отражают сатиры, которые украшают себя доспехами и шлемом Марса и играют с его копьем, а дуновение в раковину можно рассматривать как далекое воспоминание о военном роге.

Картина "Три возраста человека" представляет собой аллегорические мысли художника о жизненном цикле. Детство, зрелость и старость, приближающаяся к смерти, нарисованы предельно реалистично. Каждая фигура отражает отношение Тициана к этапу земного существования. Пухлый ангел бесплотно парит над двумя спящими младенцами, защищая их, но в то же время отражая их чистоту. Слева он изображает радости [и истощение] любви: крепкий зрелый мужчина, возможно, изможденный сексуальным контактом, которого манит к дальнейшим свершениям девушка, одетая в провокационном стиле. На заднем плане бородатый старик на исходе своих дней смотрит на два черепа, то ли в ужасе, то ли в удивлении. Изысканные детализированные пейзажи отражают природу в ее славе и упадке — по лазурному небу плывут невесомые облака.

Как и многие другие картины Вермеера, "Женщина, читающая письмо" отличается спокойным и задумчивым настроением, но при этом оставляет зрителю возможность самому расшифровать эмоции женщины и содержание письма. Женщина в голубой одежде читает письмо, восторженно вчитываясь в слова, которые она прижимает к своему телу. Кажется, что она резко поднялась со стула (ее жемчуг по-прежнему лежит на столе). Невидимое окно слева бросает мягкий свет на ее лицо. Мы не видим содержимого письма, и на его содержание ничто в обстановке не намекает. Комната почти пуста.

Те, кто знаком с картиной, наверняка знают, что дискуссия часто сосредоточена на том, беременна ли центральная фигура. Несмотря на ее внешний вид — и отчасти потому, что изображения беременности были редкостью в то время, — некоторые предполагают, что наша дама в голубом просто одета по моде того времени: объемный домашний халат с толстыми юбками, надетыми под него.

Вермеер не только сократил детали картины до минимума, но и сознательно убрал тень женщины. Присмотритесь, и вы увидите, что и стул у стены, и палочка, держащая карту, отбрасывают свои собственные тени. Но, убрав тень женщины, Вермеер создает эффект атемпоральности, как будто наша центральная фигура застыла в безграничном времени, навсегда увлеченная своим чтением.

Картина "Качели" Фрагонара, возможно, является самой кокетливой картиной всех времен.

В пышном саду молодая женщина в пышном розовом платье скользит по воздуху. Подвесить ее высоко над землей помогают качели, состоящие из пунцового бархатного сиденья с подушками и пары веревок, обвязанных вокруг корявых ветвей огромного дерева. Справа на каменной скамье сидит пожилой мужчина, который помогает управлять устройством. С помощью ряда связанных между собой веревок он оттягивает качели назад, чтобы создать импульс, необходимый для движения женщины вперед. Когда он отпускает веревки, женщина откидывается назад и раздвигает ноги, сбрасывая с заостренной ступни крошечную розовую туфельку. Изящная туфелька летит по воздуху к мраморной статуе слева. У основания большого постамента, поддерживающего эту скульптуру, лежит молодой человек. Частично скрытый разросшимся кустом роз, он смотрит на распахнутую юбку качающейся женщины (нижнее белье в те времена не носили, захватывающий был вид).

Интимные сады-парки, подобные тому, что изображен на картине "Качели", были обычным местом отдыха аристократов. Эти открытые пространства считались менее формальными, чем домашние интерьеры. Расположенные на территории частных загородных поместий и увеселительных павильонов, сады-парки позволяли уединиться от строгих правил элитного общества. Здесь французские дворяне могли перевоплотиться в беззаботных пастушек или доярок — на эту ролевую игру намекает соломенная шляпка качающейся женщины. Сопоставляя различные природные и рукотворные элементы, Фрагонар подчеркивает свободу и ограничения, которые одновременно испытывала французская элита, играя в этих пространствах. В то время как фонтаны и решетки справа свидетельствуют о попытках манипулировать природой, заросли растений и брошенные грабли на переднем плане подчеркивают, что волю природы, как и волю любви, никогда нельзя полностью ограничить.

Настоящая жемчужина виртуозности, "Амур и Психей" — мраморная скульптура, выполненная Антонио Канова в 1787-1793 годах. Скульптор изобразил любовные объятия двух главных персонажей греческой мифологии: Амура, или Купидона на латыни, и Психеи.

Пророчество гласило, что юная принцесса Психея вырастет более красивой, чем сама Афродита. Та, разгневавшись, приказала своему сыну Амуру заставить Психею безумно влюбиться в самое уродливое существо на свете. И хотя он был готов выполнить свою миссию, вместо этого Амур сам влюбился в Психею. Он послал отцу девушки оракула с просьбой надежно спрятать ее. Амур каждую ночь навещал Психею, запертую в роскошном дворце. Однако она по его просьбе никогда не смотрела на его лицо, чтобы не узнать его личность. Однажды ночью Психея не удержалась и при свете фонаря подглядела за спящим возлюбленным, который спешно покинул ее после разоблачения. В поисках возлюбленного Психея стала рабыней Афродиты. Афродита приказала Психее принести из Аида пузырек, который она не должна открывать. Психея не удержалась и открыла флакон. Вдохнув пары, она погрузилась в смертельный сон, который может разорвать только Амур. Амур поцеловал ее и вернул к жизни. Скульптура Кановы запечатлела этот момент. Амур, узнаваемый по колчану со стрелами, опирается на скалу, где лежит без сознания его возлюбленная.

Это одно из самых интенсивных и ярких изображений поцелуя в истории западного искусства. Женщина откинулась назад, а мужчина вытянул левую ногу, чтобы поддержать ее, и уперся ступней в ступеньку, словно готовый в любой момент отойти. Хотя эта пара находится в центре картины, они неузнаваемы, потому что, по замыслу Хайеса, в основе композиции лежит акт поцелуя. В углу левой части картины притаились тени, передавая ощущение опасности и заговора.

Страстный, но все же "Поцелуй" передает основные черты итальянского романтизма и стал олицетворением духа Рисорджименто, политического и социального движения XIX века, которое привело к объединению различных государств Итальянского полуострова в единое государство, Королевство Италия. Картина была заказана графом Альфонсо Мария Висконти из Саличето, чтобы изобразить надежды, связанные с союзом между Францией и Сардинским королевством.

Картина была написана в 1879 году в ресторане "У отца Латюля” в Париже. На этой картине молодой человек изображен с любовью смотрящий в глаза молодой женщине, сидящей рядом с ним. Молодой человек на картине — сын владельца ресторана, М. Готье-Латуй, в то время как изображенная женщина — муза художника Миле Френдч Эдуард Мане был талантливым художником, способным показать эмоции любви и вожделения в глазах молодого человека, когда он смотрит на женщину. Его язык тела флиртует с женщиной, его рука обвивает ее кресло.

Кажется, что мужчина безмерно поглощен женщиной, вглядывается в каждую ее деталь. Женщина же сидит прямо и смотрит слегка высокомерно. Модель, Миле Френч, одета в классическое роскошное платье, демонстрирующее моду эпохи. Из аксессуаров на ней шляпка, белый пушистый шарф и кружевные перчатки. Френч излучает эмоции утонченности и власти, в то время как молодой человек поглощен ею.

Картина наполнена дружественной и солнечной атмосферой. приветствия. Поскольку она была написана в ресторане отца молодого человека, обстановка навевает мысли о роскоши. С пышной зеленью на заднем плане и красивой архитектурой вокруг, картина иллюстрирует богатый буржуазный период жизни французов.

Скульптура Огюста Родена "Поцелуй" была создана в 1886 году и представляет собой две обнаженные фигуры в объятиях. Изначально она была частью "Врат ада", которые шокировали публику в свое время. Сейчас скульптура считается романтическим шедевром. Интересно, что Роден считал ее традиционной "безделушкой", но она помогла укрепить его репутацию, когда была выставлена как самостоятельная скульптура.

Фигуры, изображенные в "Поцелуе", основаны на образах Паоло Малатесты и Франчески да Римини из "Ада" Данте. Это одна из нескольких скульптур, созданных Роденом для "Врат ада", каждая из которых демонстрирует его собственную концепцию мучительной природы человечества. Однако "Поцелуй" стал одной из самых известных его работ и рассматривается как великий образ любви.

Хотя сама скульптура не имеет значительного символизма или повествования, ее красота заключается в композиции и технике, использованной Роденом. Он использовал сложные детали, такие как извилистые линии, чтобы изобразить мягкость и женственность женской фигуры, и более жесткие грани, чтобы подчеркнуть силу мужской фигуры. Эти контрастные элементы органично сочетаются друг с другом, создавая цельное гармоничное произведение.

Норвежский художник-символист Эдвард Мунк закончил картину "Поцелуй" на холсте в 1897 году. Картина "Поцелуй" — пример мотива, к которому художник возвращался несколько раз, и она включена в его цикл работ "Фриз жизни", который показывает этапы связи между мужчиной и женщиной.

Сквозь частично задернутую занавеску пробивается свет, освещая пару, которая выступает из тени. В поцелуе они как будто становятся одним цельным существом; их лица превращаются в единую, лишенную черт массу.

Мунк называл любовь "войной между мужчинами и женщинами", и никогда не был женат. Мрачный тон "Поцелуя" может быть отражением противоречивых чувств Мунка по отношению к романтической любви. Возможно, изображая пару таким образом, художник демонстрировал как их единство, так и неизбежную потерю индивидуальности, утрату собственного существования и идентичности в отношениях.

Картина Густава Климта "Поцелуй (Влюбленные)" — самая известная австрийская картина. На ней изображена пара в богато украшенных одеяниях, обнимающаяся на цветочном лугу на краю символической пропасти. Картина написана в 1907-08 году, в самый разгар "золотого периода" Климта, когда художник разработал новую технику сочетания сусального золота с масляными и бронзовыми красками.

В этой работе начала двадцатых годов Климт делает общее аллегорическое заявление о том, что любовь лежит в основе человеческого существования. Тот факт, что картина до сих пор сохраняет свою актуальность и эмоциональное воздействие, свидетельствует о выдающемся таланте художника. Одежда влюбленных украшена сусальным золотом, а фон — нежными золотыми, серебряными и даже платиновыми хлопьями.

Как и многие другие работы Климта, изображающие объятия, "Поцелуй" скрывает лицо мужчины и фокусируется на женщине. В этой работе выражение лица молодой женщины и ее закрытые глаза вызывают одновременно чувства покинутости, экстаза и восторга. Хотя поза мужчины может показаться навязчивой, то, как его руки нежно держат ее лицо, вызывает чувства нежности и тепла.

“Поцелуй у отеля де Виль" Робера Дуано считается одной из самых романтичных и популярных фотографий, когда-либо созданных. Хотя Дуано работал в Париже уличным фотографом и украл множество интимных моментов парижских пар, этот классический снимок на самом деле был постановочным.

Снимок был сделан для фотосессии о парижских влюбленных для журнала Life, но он пролежал в архивах фотоагентства Дуано более 30 лет, прежде чем был коммерциализирован компанией по производству постеров.

Самая известная фотография Дуано — символ романтики города Парижа. Личность влюбленных оставалась загадкой до тех пор, пока пара, ошибочно полагавшая, что это они, не потребовала авторских отчислений в 1990-х годах. Тогда Дуано рассказал, что для этой сцены позировали Франсуаза Борне, бывшая актриса, и ее тогдашний бойфренд Жак Карто.

Титры

Текст написан Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично»

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды.

Еще почитать:

3 удивительных особенности картины Клода Моне "Сорока"

Зима — любимое время года Клода Моне?

5 женщин-художниц эпохи Возрождения — от флорентийской монахини до фламандской портретистки

Понравился текст? Поддержите меня лайком ❤

Подпишитесь, чтобы не пропускать новые посты❗